Как создаются авторские работы
Как создаются авторские работы Многие люди представляют себе художника как некого необыкновенного самородка, который однажды просто проснулся и внезапно придумал собственный стиль, будто бы из пустоты. Создаётся ощущение, что настоящий авторский стиль — это нечто случайное, спонтанное, почти мистическое. Но в реальности всё происходит совершенно иначе. Ни один великий художник не появился из пустого пространства. Чтобы создать что-то новое, необходимо глубоко понимать то, что уже было создано до тебя. Невозможно изобрести велосипед с нуля, не зная истории искусства, не понимая законов формы, композиции, цвета и технологии живописи. Каждый художник опирается на предыдущую ступень, которая уже была проложена мастерами прошлого. Те же самые великие художники, которых сегодня считают гениями, вначале сами учились у других. Они копировали, изучали, анализировали, восхищались. Карл Брюллов говорил, что никогда бы не написал «Последний день Помпеи», если бы прежде не изучал и не копировал произведения Рафаэля Санти, в частности «Афинскую школу». И это абсолютно естественно. Нельзя создать что-то великое, не впитав прежде огромный опыт поколений. То же самое касается не только живописи, но и музыки, литературы, кинематографа. Не существует музыканта, который жил бы как на необитаемом острове, никогда не слушал музыку, не изучал чужое творчество — и вдруг внезапно создал новый музыкальный стиль. Не существует режиссёра, который не смотрел кино, не изучал композицию кадра, драматургию и при этом стал великим автором. Любое настоящее творчество рождается через огромную культурную насмотренность и внутреннее накопление опыта. Поэтому первое и самое важное условие для создания авторских работ — это широта сознания художника и огромная насмотренность. Художник должен постоянно наполнять себя искусством. Посещать музеи, выставки, галереи, изучать историю искусств, знакомиться с разными эпохами, стилями, направлениями и технологиями живописи. Но важно не просто смотреть картины поверхностно. Нужно учиться понимать их. Когда неподготовленный человек смотрит на «Мону Лизу», он может увидеть просто женщину на фоне пейзажа. Но художник или искусствовед видит совершенно другое. Он замечает тончайшие лессировки, сложнейшую воздушную перспективу, глубину пространства, гармонию композиции, устройство света и тени, возможно — принципы золотого сечения. Он понимает технологию, которой пользовался художник. Он понимает, почему именно это произведение считается гениальным. Именно поэтому художникам преподают историю искусств, технологию живописи, рисунок, анатомию, историю орнамента, декоративно-прикладное искусство и множество других дисциплин. Всё это необходимо не ради сухой теории, а для расширения художественного сознания. У художника должна быть заполнена внутренняя визуальная библиотека. Чем больше человек знает и понимает, тем глубже становится его собственное мышление. Но одних знаний недостаточно. Второй важнейший этап — это практика. Невозможно создать сложную авторскую работу, если художник не владеет ремеслом. Нужно научиться понимать форму, чувствовать цвет, передавать тон, пространство и композицию. Нужно научиться писать драпировки, предметы, натюрморты, пейзажи, архитектуру, человеческое лицо и фигуру. Именно поэтому обучение всегда начинается с простого. Сначала художник рисует отдельное яблоко, виноград, цветок или гипсовую голову. Потом предметы собираются в натюрморт. Затем натюрморты становятся сложнее: появляются ткани, стекло, металлические поверхности, сложное освещение, большое количество деталей. Так постепенно развивается понимание формы и композиции. Если художник хочет писать пейзажи, он должен изучать природу, архитектуру, различные типы ландшафта, особенности освещения, состояние воздуха, перспективу. Он должен научиться видеть композицию уже в реальности — словно мысленно помещать окружающий мир в рамку будущей картины.
Канал в каталоге Максиметера
364 подписчиков · Образование